UN DÍA COMO HOY NACIÓ BARBRA STREISAND

“Muchos creen que el reconfortante mensaje del musical Funny girl es que no hace falta ser bella para triunfar. El mensaje de Barbra Streisand es que el talento es belleza”

En un dia como hoy nació Barbra  Streisand, 24 de Abril  1942  Brooklyn, U.S.A

La carrera de Barbra  Streisand es cuando menos impresionante .  Ganadora de dos Premios Óscar, cinco Emmy, ocho Grammy, cuatro Golden Globe y un Tony. el American Film Institute , medalla Nacional de América de las Artes , la Legión de Honor francesa. Según la RIAA  (Recording Industry Association of America), Barbra Streisand ha conseguido 52 discos de oro, 31 de paltino y 13 multiplatinos.

A la vista de esta impresionante carrera , parece que todo fue sencillo y fácil. Nada mas lejos de la realidad.Su vida no fue nada fácil desde su infancia, tuvo que soportar el desprecio por no ser una chica “guapa” y la humillación de su padrastro y de su madre.

En entrevista en 1991 al periodista Mike Wallace habla de ello:

En 1991 el periodista Mike Wallace hizo llorar a Barbra Streisand.

—Tu padre sigue siendo muy importante para ti, ¿verdad? —le dice Wallace refiriéndose a Emanuel Streisand, quien murió cuando Barbra solo tenía 15 meses.

—Sí —contesta ella—. Me hubiera gustado tener un padre.

—Pero tuviste un padrastro…

—Sí, pero mi padrastro me ignoró. Nunca habló conmigo. Yo era apenas una niña y él me hizo sentir que yo era un ser horrible. Una vez…En ese momento Barbra se echa a llorar.

Es entonces cuando Wallace explica a la audiencia uno de sus peores recuerdos: el día en que Barbra pidió un helado y su padrastro se lo negó porque “era fea”.

Mas adelante habla de su madre…

“Mi madre decía que yo era demasiado rara y flaca. Que no era lo suficientemente bella para ser actriz. Que mejor me hiciera mecanógrafa

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Visto esto cualquier persona se hubiera hundido en la miseria, pero para algunas personas, estas situaciones les ayudan a fortalecerse. Aunque sean  aprendizajes muy duros.

Así que se lanzó a la vida,  a perseguir su sueño.

Una vez de  graduada del  bachillerato se fue a vivir a Manhattan para tratar de convertirse en actriz.

No tenía ni dinero, ni contactos, solo una confianza ciega en su capacidad: como no ganaba lo suficiente para alquilar un piso, dormía en los sofás de primos y amigos.

 

 

Pero su éxito no lo consiguió mediante la interpretación, sino con la música, cuando a los 18 años empezó a cantar en un bar gay del West Village llamado The Lion.

En The Lion ganaba 50 dólares a la semana y todos los filetes London Broil  (corte de ternera marinada y asada) que le apeteciera comerse. Poco a poco se corrió la voz y hasta el dramaturgo Noël Coward vino a verla.

Armada con su voz, su sentido del humor y un par de vestidos de segunda mano, pasó a un club mayor: el Bon Soir. Fue allí donde creció su reputación y donde la descubrieron los productores de Broadway.

 

El Papel de su “Vida”

Primero consiguió un papel de reparto en el musical I can get it for you wholesale, y gracias a esto se volvió una invitada frecuente en los talk shows nocturnos dondedaba respuestas irreverentes y cantaba su repertorio del Bon Soir: A sleeping bee, When the sun comes out, y una melancólica versión de Happy days are here again, sobre la que muchos opinan que construyó su carrera musical. Te transportaba de la risa a las lágrimas en cuestión de segundos.
Como todo en esta  vida le llego la oportunidad de cambiar y le surgió Funny girl.

Una comedia musical sobre la vida de Fanny Brice, la famosa estrella de los Ziegfield Follies  (espectáculos estadounidenses de cabaré a la manera del Folies Bergère), cuya personalidad y origen se parecían mucho a los de Barbra: ambas eran chicas judías de clase obrera que habían decidido triunfar en el espectáculo a pesar de no ajustarse a los cánones de belleza establecidos.

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Fanny Brice

El papel de Fanny requería de una actriz y cantante que pudiera hacer reír y llorar.

La búsqueda había sido infructuosa: Anne Bancroft, Eydie Gormé y Carol Burnett rechazaron el papel.

Stephen Sondheim le dijo al productor:

 “Necesitas a una chica judía. O por lo menos a alguien que tenga una nariz de verdad”.

Así que productores y compositores fueron a conocer a Barbra, y quedaron cautivados por esta joven aprendiz de diva que no tenía miedo a burlarse de sí misma.

La puesta en escena fue muy accidentada. Pero la noche de su debut en el teatro Winter Garden, en 1964, el público la ovacionó en pie. No pararon de aplaudir “hasta que el elenco salió 23 veces a saludar al escenario”.

“Muchos creen que el reconfortante mensaje del musical Funny girl es que no hace falta ser bella para triunfar. El mensaje de Barbra Streisand es que el talento es belleza”. Pauline Kael

Cuatro años después, Barbra logró llevar el personaje de Fanny Brice (por el que recibió un Oscar) a la gran pantalla de la mano del veterano William Wyler. Wyler, que era sordo de un oído, y no quería dirigir musicales pero aceptó la propuesta tras conocer personalmente a Barbra.

Tal como dice ella después de recoger el Oscar, al que se presentó vestida con pantalones ,siendo la primera mujer en hacerlo, y ataviada con un pijama de lentejuelas diseñado por Arnold Scaasi.

“Yo puedo estar en Vogue, yo puedo estar en Harper’s Bazaar, yo puedo llegar a donde ha llegado cualquier modelo o estrella simplemente por ser quien soy”.

EL  mensaje de Yentl,

Sobre la década de los 80 Barbara Streisend  decide llevar a cabo un proyecto agotador, por primera vez se atreve a  dirigir, coproducir e interpretar una película.

Ella se había sentido muy identificada  con la historia que había visto en la obra teatral de Leah Napolin e Isaac Bashevis Singer, que a su vez se basa en el cuento de “Singer Yentl the yeshiva boy “ (Yentl, el chico de la Yeshivá).

El argumento nos sitúa  en los  primeros años del siglo XX, en un país de Europa oriental.

Yentl, una muchacha judía educada en la más estricta disciplina religiosa, comprueba cómo su futuro está totalmente condicionado por el hecho de ser mujer.

Su religión la relega a un segundo plano. Tras el fallecimiento de su padre, decide disfrazarse de hombre, para así poder acceder a la educación intelectual que, por su condición femenina, tiene vetada de por vida.

Así es como consigue entrar en un buen colegio, donde pronto conoce a Avigdor, un joven con el que llegará a mantener una gran amistad.

La película Yentl, es quizás donde Barbra se  muestra tal como es, su anhelos y fantasmas más profundos.

El personaje tiene muchas cosas en común con ella, una infancia, difícil una religión demasiado estricta y una vida que no te regala nada, y como la muerte de un padre.

Según Norman Wright , en su libro “Always Daddy’s Girl” :

“Barbra Streisand es un ejemplo interesante de una mujer que se ha esforzado por representar en su trabajo la anhelada imagen del padre. “

Pero volviendo a la música, la banda maravillosa y las canciones fueron compuestas por Michel Legrand, en una espléndida banda sonora, donde las canciones judías acarician las melodías y la orquesta, para  transportarnos al judaísmo más profundo.

Tal como podemos ver en la canción “Papa, can you hear me?” . Donde la figura del padre surge a través de una oración cantada  a Dios, como se hace en la liturgia Judía.

Papa, ¿Puedes Oírme?

Dios – nuestro Padre Celestial
Oh, Dios – mi Padre
Que también está en el cielo
Que la luz de ésta vela encendida
Ilumine la noche de la manera
En que tu espíritu ilumina mi alma

Papa, ¿me puedes escuchar?
Papa, ¿me puedes ver?
Papa, ¿me puedes oír en la noche?

Papa, ¿estás cerca de mí?
Papa, ¿puedes entenderme?
Papa, ¿puedes ayudarme a no tener miedo?

Mirando a los cielos
Me parece ver un millón de ojos
¿Cuáles son los tuyos?
¿Dónde estás ahora que el ayer
Ha venido y se ha ido
Y cerró sus puertas?
La noche es mucho más oscura
El viento en mucho más frío

El mundo que veo es mucho más grande ahora que estoy sola
Papa, por favor perdóname
Trata de comprenderme
Papa, ¿no sabes que no tuve opción?

¿Me puedes oír orando,
Todo lo que estoy diciendo,
A pesar de que la noche se llena de voces?
Recuerdo todo lo que me enseñaste
Cada libro que he leído
¿Pueden todas las palabras de todos los libros
Ayudarme a enfrentar lo que está por venir?
Los árboles son mucho más altos
Y yo me siento mucho más pequeña
La luna está el doble de sola
Y las estrellas la mitad de brillantes

Papa, cuanto te amo
Papa, cuanto te necesito
Papa, cuanto extraño
Tu beso de buenas noches

¿Por cierto cual es tu canción preferida de Barbra Streisand?

 

UN DÍA COMO HOY NACIÓ TITO PUENTE

“En aquellos tiempos, las orquestas de jazz se dedicaban sólo al jazz, pero nosotros, los latinos, al incorporar la percusión, le dimos un ritmo más excitante al jazz.”

 

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P.-¿De dónde salió el latin-jazz?

R.-En aquellos tiempos, las orquestas de jazz se dedicaban sólo al jazz, pero nosotros, los latinos, al incorporar la percusión, le dimos un ritmo más excitante al jazz. Yo he grabado muchas melodías que la gente conoce del jazz -números de Gillespie, Miles, Ellington o Monk-, pero al tocarlo con nuestro ritmo lo hacemos más excitante de lo que es. Las orquestas de jazz no pueden tocar latino ¡bien!, nunca; pero las latinas sí pueden tocar jazz ¡bien!; y eso es porque ellos no tienen clave, no conocen los tumbaos del bajo ni los guajiros del piano. Yo brego mucho con el jazz grande americano, enseño en muchas universidades y conservatorios de música, pero es muy difícil encontrar una orquesta de jazz tocando un número latino y que le saque el sabor que le sacamos nosotros.

Entrevista en” la revista” 27 de julio de 1997 Por Ricardo Aguilera

Ernesto Antonio Puente; Nueva York, 1923 – 2000) Compositor y percusionista estadounidense de origen puertorriqueño.

La aportación de Tito Puente a la música fue  fusionar el jazz y los ritmos antillanos que tendría gran influencia en la configuración y el posterior éxito de lo que hoy conocemos como Latin Jazz.

Lo más curioso es que durante  los diez primeros años de edad, Tito sólo ambicionaba ser bailarín profesional, pero tras lesionarse un tobillo mientras montaba en bicicleta. Tuvo que dejar el baile y enfocar  su vocación hacía la música.

Su primera actuación tuvo lugar a temprana edad con la banda de Los Happy Boys en el Hotel Park Place, y poco después, ya en la adolescencia, se unió a Noro Morales y la Orquesta Machito.

Tras el paréntesis que supuso la Segunda Guerra Mundial, que pasó en la marina, retomó su carrera musical.

Se matriculó en la Juilliard Musical Conservatory para estudiar dirección de orquesta, orquestación y teoría musical, materias éstas en las que se graduó con las mejores calificaciones en 1947, a la edad de veinticuatro años.

Durante su estancia en la Escuela Juilliard, Tito Puente tocó con José Curbelo, con Pupi Campo y con Fernando Álvarez y su Grupo Copacabana. En 1948 formó su propia banda, los Picadilly Boys, pronto conocida como la Orquesta de Tito Puente. Con esta formación grabó, para la firma Tico Records, el primer mambo que conocería el éxito más allá de los circuitos del público hispano: Abaniquito (1949). Ese mismo año firmó un contrato con la discográfica RCA Victor y editó el sencillo Ran Kan Kan.

Tito era crítico con la denominación de salsa a toda una serie de estilos antillanos.

El  apodo de la palabra “salsa” a todos los ritmos antillanos;  tuvo su origen en un programa de radio de un conocido locutor,  Phidias Danilo Escalona. El programa se retransmitía  a las 12:00 del mediodía (la hora en que se hacían las suculentas salsas de la época ), y además estaba patrocinado por una marca de salsa de tomate llamada “Salsa Pampero” . Así que la asociación fue instantánea.

Pero, para Tito que conocía el origen la palabra salsa no era de su gusto

P.-¿Por qué no le gusta la palabra salsa?

R.-No es un término musical. Salsa es comida, un condimento. Al decir la palabra salsa no se distingue una guajira de, un mambo, un cha cha chá, un merengue, una cumbia o lo que sea. Cuando dices salsa no se sabe qué clase de salsa quieres. Tengo mucho público que me dice: Tito, tócame una salsa argentina. La palabra salsa la están utilizando para cualquier cosa. Yo me uno ahora a esa palabra porque es muy comercial internacionalmente, es una etiqueta, y el año que viene inventarán otra cosa, pero se sigue tocando la misma música, que es la que siempre he estado tocando. No voy a cambiar mi música porque la llamen salsa.

Entrevista en” la revista” 27 de julio de 1997 Por Ricardo Aguilera

La confrontación con Tito Rodriguez

A finales de la década de los cuarentas el Palladium Ballroom ubicado en pleno corazón de Manhattan, a tan sólo 200m. del Radio City Music Hall, y a 300m. del Carnegie Hall, programaba principalmente a las orquestas los Afrocubans de Machito, Tito Puente y Maxwell Hyman propietario del salón decidió hacer cambios.

Tito Puente era muy bueno, sin duda, pero las noches eran largas y las pocas bandas de la ciudad que podían estar a su altura para entablar duelos sin interrupción, siempre andaban de gira. Por eso se le ocurrió contratar a una orquesta juvenil, que pudiera atraer a un público joven y al mismo tiempo alternar con Puente de manera continua. Se le ocurrió que para tal efecto el hombre más indicado era el ya muy popular Tito Rodríguez.

Estas dos orquestas muy pronto se volvieron míticas. Puente desplegaba todo su talento como timbalero para improvisar en piezas de su evidente swing latino, mientras que Rodríguez respondía a los ataques con versos satíricos en tiempo de mambo que despertaban hilaridad entre el público. Nadie ganaba, nadie perdía. Puente descargaba en su lenguaje de tambor toda su vitalidad tras un coro que decía

“Nana, saguero y bubla, raña de lubi ka… Ran kan kan, kan kan.

Rodríguez respondía, en su tono vocal jocoso y llamativo,

“Déjate de tanto alarde y vive la realidad, que por mucho que tú trates el mundo no cambiará… De sabio no tienes na.”

Y allí no terminaban. Puente, a través de su cantante Vicentico Valdés, soltaba todas las estrofas de la guaracha Tú no eres nadie, en tanto que Rodríguez llegó a componerle un tema a su rival:

“A mi no me importas tú ni diez miles como tú, yo sigo siempre en el goce, el del ritmo no eras tú.”

Este tipo de planteamientos en los duelos conformaron una especie de El Dorado musical en pleno corazón de Manhattan llegando incluso a que los nombres de Tito Puente y Tito Rodríguez se colocaran en el rótulo de la entrada del mítico salón

Ese cartel de la entrada le causó uno de los peores dolores de cabeza a Hyman una noche en que Puente llegó al club y vio que el nombre de Tito Rodríguez estaba primero que el suyo, de inmediato pidió que lo cambiaran y efectivamente se cambió. Más tarde apareció Rodríguez, quien, al ver que el nombre de Tito Puente estaba antes, le dijo al utilero lo mismo, lo que éste hizo sin rechistar. Volvió a aparecer Puente y estalló la cólera, hasta que por tercera vez se cambió el orden de presentación.

Al enterarse Hyman de lo sucedido, buscó a Puente y lo encontró tan enfadado que no le dijo nada. Rodríguez no andaba por allí, de modo que optó por poner los dos nombres en una misma línea, pero con Tito Rodríguez a la izquierda y Tito Puente a la derecha, lo cual significaba que este último recibiría el top billing lugar de honor, de acuerdo al protocolo del mundo del espectáculo. De esa forma, la noche la abrió Rodríguez, quien se sintió como un telonero. Por eso, al terminar su set , obvió la cortesía habitual y no mencionó a la banda que seguiría a continuación. Cuando le tocó el turno a Puente, tampoco anunció a su rival.

Nunca lo harían a partir de entonces…y el enfado continuó por toda la vida. Según dicen ….

Fíjate el desplazamiento rítmico que hace Tito Puente de este tema

Os dejamos con una versión del maravilloso tema de Dave Brubeck en versión de latin Jazz de  Tito Puente.

¿Que te ha parecido?

UN DÍA COMO HOY NACIÓ HENRY MANCINI

 “La música puede hacer que sientas lo que siente el compositor. Podemos escribir cualquier emoción : felicidad, miedo, ira, piedad… y todas esas cosas”.

 Entrevista “Perry Como’s music from Hollywood

16 de abril de 1924 en Cleveland, Ohio (Estados Unidos)- 14 de junio de 1994 en Beverly Hills (Estados Unidos).

 

Mancini Nació en Cleveland, Ohio. Pero fue criado en Pennsylvania. Allí empezó tocando la flauta en una banda local, en su juventud, antes de enviar algunos arreglos a Benny Goodman .Gracias a eso Goodman le ofreció un trabajo. Posteriormente, después de servir en la Segunda Guerra Mundial, se unió a la reordenada banda de Glenn Miller.

Fue nominado a 18 premios Oscar y ganó cuatro. Además ganó 20 Grammys y 2 Emmys.  Grabó más de 50 álbumes , y  publico unas 500 obras.

·         Mancini colaboró extensamente con Blake Edwards – en primer lugar en la televisión Peter Gunn (1958), luego en Desayuno con diamantes (1961), que  ganó dos Oscar. Y Otros dos  Oscar por la canción  de Días de vino y rosas (1962) y la banda sonora de ¿Víctor o Victoria? (1982). Lo curioso que una de sus melódias más polulares La pantera rosa (1963) no obtuvo ninguno.

Ha sido  Incluido en 1984 en el Salón de la Fama de los Compositores en Hollywood Boulevard.

Viendo todo este curriculum, podemos vislumbrar  a  un titán de la composición para cine.

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¿Pero qué es lo que hace a Mancini tan diferente a los demás compositores para cine?

Sin lugar a dudas el extenso conocimiento que tuvo de las bandas de la edad dorada del jazz, en especial las de:  Count basie, Tommy Dorsey , Flecher Henderson, y sobretodo Duke Ellington-  tal como explica en una entrevista  de tv a Lylian Chauvin -1991. Allí fue donde, él encontró su estilo musical  e inspiración.

Una de las obras preferidas por todos los amantes del cine es  “Moon River”. Una obra que siempre ha estada envuelta de magia y glamour; ¿quien no recuerda a la maravillosa Audrey Hepburn cantándola?…

La gestación de la  canción que compuso Mancini fue todo un reto para él,  ya que hacer cantar a Audrey Hepburn  no era una  tarea nada sencilla ( Audrey Hepburn poseia una voz con una gran tesitura,  ni tampoco una formación musical adecuada). Por lo que tuvo que hacerle una canción a medida.  Por esta razones ,al estudio, no le convencía para nada la idea y según cuenta la leyenda el jefe de estudio dijo:


¡Vamos   a cortar la canción! “, La reacción de todos fue de estupor tal como explica Mancini  : “Nos quedamos en silencio por un minuto o dos…. hasta que intervino Audrey Hepburn y convenció al estudio de mantenerla en la banda sonora”

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Tal como explica la señora Mancini la canción se forjo en una noche :

“   Henry estaba ensayando para un concierto benéfico en el Hotel Beverly Wilshire en Los Ángeles cuando Mercer se presentó con letras en la mano. Se sentaron en el salón de baile vacía y Henry jugo con las ideas melódicas que tenía, mientras que Johnny cantó la letra. Johnny era un cantante maravilloso y me encantaba oírlo cantar. Eran dos de los mejores”, Poco después de que grabaron un demo para el estudio y, como Ginny Mancini puso, la canción fue un “slam dunk”

Os dejamos una canción imperecedera con la voz original de  Audrey Hepburn, por cierto la mejor interprete que ha tenido esta obra según nuestra opinión…

¿Cual es tu interpretación preferida de Moon River ?

UN DÍA COMO HOY NACIÓ FREDERIC MOMPOU

 “Crear una música con el menor número de notas posible, una música sintetizada. Considerar la música como un perfume, un perfume que pasa, que no se sabe cuándo empieza ni cuándo acaba. En mi caso no es esto, pues yo siempre estoy sujeto a una forma, una forma pequeña, bree, pero forma al fin y al cabo. Siempre he pensado que la música no debería tener forma alguna, que la música debería ser precisamente como un perfume, que guarda una unidad, pero indefinida en su origen y en su fin”

ANDRES RUIZ TARAZONA23 ENE 1977– EL PAIS

Frederic (Federico) Mompou I: Recomençament, Primitivismo, Campanas

Hablar de Mompou es hablar de un músico, diferente. Mompou se caracteriza por un estilo personal con una clara diferenciación del resto de sus contemporáneos. Mompou al igual que Satie –su clara referencia – busca en los modos medievales su inspiración. Tampoco podemos no tener en cuenta la influencia Debussyana,  en el uso de los acordes y texturas. Aunque hay una clara  diferencia en la  configuración musical, haciendo un símil en pintura, Debussy colorea y Mompou Dibuja.

También podríamos encontrar un paralelismo con la corriente Minimalista  de los años 60 encabezado por Steve Reich, La Monte Young o Terry Riley.

Pero a diferencias de estos Monpou no busca células repetitivas, sino que busca despojar a la música de lo superfluo para encontrar la esencia, y la esencia para el es la resonancia en todos los sentidos.

Monpou nace en el seno de una acomodada familia de la ascendiente burguesía catalana. Su madre, josefina Dencausse-Caminal, era descendiente de franceses, y su padre, Federico Mompou Montmany, oriundo de una aldea de Tarragona, había estudiado notariado en Valencia.   Los primeros años de la vida de Mompou pasan entre el aristocrático ambiente que su madre cultivaba en casa y la fundición con la que los Dencusse habían hecho fortuna, especializada en la fabricación de campanas. Según sus críticos, las sonoridades de los enormes bloques de bronce, que él aprendió a  afinar siendo niño, quedaron impresas en su memoria: Lo que luego llamaría “acorde metálico” al elemento básico de sus primeras composiciones.

Su primera formación fue como la mayoría de músicos de su generación.  Estudió piano en el conservatorio del Liceo de Barcelona, y ofreció su primer recital público a la edad de 15 años.

Pero no fue hasta octubra de 1911 cuando decidió  instalarse en París, con la intención de ingresar en el conservatorio nacional. Por aquel entonces  había un límite de edad para los extranjeros (18 años),  así que con   una carta de recomendación que le hizo Enrique Granados para Gabriel Faure director del conservatorio entonces, se fue  hacia la institución. Lo gracioso fue que una vez en la puerta para ser recibido, desiste, y  decide tomar un camino diferente. Por lo que empezó  a recibir  lecciones de piano con Ferdinand Motte-Lacroix, y lecciones de armonía con Samuel Rousseau.

Su vida parisina incluye amistades aristocráticas, como las tertulias en casa del barón de Rothschild, y aquellas del ambiente musical, cuyo centro era por entonces Igor Stravinski, Ravel, Prokofiev o Falla. A la vez que se reúne en la Rotonde con Josep Pla, Joan Miró y Picasso.

Pero el éxito tuvo que esperar algunos años,  1921.  Hasta el estreno de algunas de sus obras. Gracias a  Motte-Lacroix.

Fue allí en ese concierto cuando el influyente crítico Émile Vuillermoz – discípulo de Fauré- publica en “Les Temps” un comentario en el que sugiere que Mompou es la muestra de cómo, aún después de Chopin, Liszt, Debussy y  Ravel, se podía decir algo nuevo con el piano.

Aquella reseña significará el lanzamiento musical de Monpou a nivel internacional.

En el video podeis deleitaros, con una interpretación exquisita de Monpou, de Arturo Michelangeli Benedetti :”canciones y danzas nº6″.

Una Gran interpretación ¿no?

UN DÍA COMO HOY NACIÓ CLAUDE BOLLING

  “Duke decía que se inspiró en todos los pianistas. Y me siento más o menos de la misma forma”

Claude Bolling (nacido el 10 de abril de 1930), pianista francés, compositor, arreglista.

La característica principal de Claude Bolling es su versatilidad, gracias a la formación que obtuvo de sus maestros, Germaine Mounier (piano clásico), Leo Chauliac (piano de jazz), Maurice Duruflé (armonía), André Hodeir (contrapunto, orquestación).

Gracias a esta formación  ha podido colaborar  con Alexandre Lagoya , Pinchas Zukerman, Maurice André , Yo Yo Ma , la English Chamber Orchestra , Patrice et Renaud Fontanarosa , Marielle Normdann , Guy Touvron , Eric Franceries.

En una entrevista a Interjazz . Mayo 15, 2013 a Robin Arends

Habla de sus comienzos,

“Empecé a tocar a los 14 años de edad. En aquella época el jazz era muy popular. El free jazz o el jazz moderno no existían en este periodo. Los músicos de jazz tocaban en bares, cervecerías, pubs.”

Y sus influencias,  

Fui influenciado por Earl Hines, Teddy Wilson, Art Tatum, Willy “The Lion” Smith y, por supuesto, Duke Ellington.

De Duke Ellington dice:

“Me interesa todo desde la  “Black and Tan Fantasy” o “Mood Indigo”  hasta sus últimas composiciones. Él era un gran compositor y tenía el talento de llevar a a la máxima expresión el talento especial de cada uno de sus músicos“

El alcance de Claude Bolling no solo abarca el mundo del jazz, sino también la música clásica. Su Suite para Flauta y Piano Jazz Trío , escrita para Jean-Pierre Rampal y grabada con él, experimentará un gran éxito en los Estados Unidos, permanecerá 530 semanas en las listas de éxitos, hasta obtener los discos de oro y platino.

Aquí os dejamos el vídeo de esta obra maravillosa:

Suite For Flute And Jazz Piano Trio Claude Bolling, Jean-Pierre Rampal en el «Château de Versailles »